Nous célébrons la bande-son des films

Un duo dans le monde de l’imaginaire

Il est difficile d’imaginer ce que seraient les œuvres cinématographiques majeures sans les bandes sonores qui les accompagnent. Auraient-elles bénéficié du succès retentissant que l’on connaît ? Seraient-elles devenues des œuvres remarquables et respectées ? La réponse est simple : c’est peu probable. L’utilisation de la musique dans un film peut être essentielle au résultat final et, dans certains cas, elle peut même être plus mémorable que les aspects visuels.

Au fil des ans, de nombreuses musiques ont suscité un lien émotionnel si puissant qu’elles sont devenues des icônes culturelles. Prenez le film « Les Dents de la mer » de Steven Spielberg, par exemple, ce film qui a rendu les gens terrifiés à l’idée de se baigner dans l’océan – ou dans n’importe quel autre point d’eau d’ailleurs. Lorsque l’on se représente un requin glissant dans les sombres profondeurs, le son sinistre qui nous vient immédiatement à l’esprit fait « tin tin… tin tin… ». La musique « James Bond Theme » de John Barry est un autre exemple classique. Il s’agit d’un arrangement orchestral dont les premières notes suffisent à donner à n’importe qui l’impression d’être un agent secret, vêtu d’un smoking, doté d’une arme et au volant d’une voiture ultra puissante.

Il arrive qu’un musicien, un chanteur ou un auteur-compositeur célèbre soit chargé de composer la musique d'un film, et parfois d’endosser le rôle de personnage principal. L’esthétique et le style musical futuristes des Daft Punk étaient parfaits pour leur participation au film « Tron : l’héritage », tout comme la proposition mélancolique d’Arcade Fire pour l’incroyable histoire d’amour du film « Her ». Elvis Presley, le roi du rock’n roll, a non seulement joué dans « Le rock du bagne », mais il a également enregistré et interprété la plupart des principaux morceaux musicaux du film.

Toutefois, la musique ne doit pas être nécessairement créée sur mesure. Repensez à la scène du film « Reservoir Dogs » de Quentin Tarantino où l’on entend le titre « Stuck in the Middle with You » de Stealers Wheel – nous n’entrerons pas dans les détails ici, mais oui, il s’agit bien de la scène de l’oreille. Ces messages mémorables s’étendent même aux séries télévisées, notamment « Friends » et « X-Files », pour n’en citer que quelques-unes. Leurs bandes sonores et leurs musiques sont ancrées dans notre subconscient et il est presque impossible d’entendre ces morceaux sans reconnaître instantanément leur contribution au cinéma et à la culture pop.

Mais qu’est-ce qui relie précisément ces morceaux de musique au public sur le plan émotionnel et qui donne lieu à une grande musique de film ? Il existe sans aucun doute des éléments nostalgiques à prendre en compte, ainsi que les références culturelles constantes associées aux génériques que nous entendons quotidiennement, sans parler de notre exposition répétée à ceux-ci et à leurs compositeurs. Les thèmes à aborder sont nombreux. Alors, ne perdons plus une minute et... Action !

L’importance de la musique

George Lucas a dit un jour : « Le son représente 50 % de l’expérience cinématographique ». La musique et le son contribueront toujours à renforcer le lien émotionnel que nous entretenons avec un événement ou une expérience spécifique et à influencer nos sentiments, il est par conséquent naturel qu’ils produisent une impression qui perdure tout au long d’un film.

Le rôle de la musique dans un film peut donner aux spectateurs des indices sur ce qui va se passer, sur le ressenti qu’une scène particulière doit susciter ou sur les sentiments du protagoniste et de l’antagoniste. Ce dernier aspect contribue certainement à immerger les spectateurs et à créer des personnages envers lesquels ils peuvent faire preuve d’empathie ou, au contraire, de mépris. Selon le type de film que vous regardez, qu’il s'agisse d’un film de science-fiction animé par des cordes stridentes rappelant la musique d’Ennio Morricone pour « The Thing », d’une épopée historique à l’image de « Dunkerque » avec un grondement de basse inquiétant qui vous crispe littéralement ou d’un classique de l’animation familiale avec des progressions dans un univers fantasmagorique comme celles que l’on trouve dans « Le voyage de Chihiro » des studios Ghibli, l’exécution de la partition et le ressenti qu’elle évoque peut en fin de compte améliorer ou modifier la façon dont une scène est perçue.

Dans le livre « Ennio Morricone: In His Own Words », paru en 2019 et qui lui est consacré, Ennio Morricone explique : « La plupart du temps, les spectateurs vivent la musique d’un film comme une suggestion subconsciente... En d’autres termes, la musique parvient à montrer ce qui n’est pas visible, à aller à l’encontre des dialogues ou, plus encore, à raconter une histoire que les images ne montrent pas ».

À contre-courant

Les clichés habituels associent les sonorités inquiétantes d’un thérémine à un film de science-fiction ou une chanson d’amour sentimentale à une comédie romantique, mais parfois, lorsque cela est fait correctement, l’utilisation d’un son « anempathique » volontairement décalé dans un film peut donner des résultats exceptionnels. Quentin Tarantino en est un fervent défenseur – vous souvenez-vous de la scène de « Reservoir Dogs » mentionnée précédemment ? La scène finale du film « Docteur Folamour » de Stanley Kubrick, lorsque des bombes atomiques pleuvent au son de « We’ll Meet Again » de Vera Lynn, est un autre exemple fantastique, tout comme Louis Armstrong qui chante l’absurdité de la destruction dans le film « Good Morning, Vietnam » avec le titre « What A Wonderful World ». Cette juxtaposition est un outil puissant et poignant qu’il est difficile d’ignorer et encore plus difficile d’oublier.

Si la musique peut être rattachée au genre général d’un film, comme nos cordes à la science-fiction ou l’utilisation opportune d’un tuba aux sonorités loufoques dans une comédie, un son distinctif jumelé à un personnage ou à un décor peut avoir un impact tout aussi mémorable. Un leitmotiv est un outil puissant qui permet d’associer une phrase mélodique, une figure ou un son à un personnage, une idée ou un décor et de donner le ton. À l’image du thème reconnaissable entre tous du film « Les Dents de la mer », celui de « La marche impériale » de John Williams associé à Dark Vador et le « boum » qui fait trembler la terre sous les pas du T-Rex dans « Jurassic Park » peuvent rapidement faire naître la peur dans le cœur du public et lui faire comprendre que les choses sont sur le point de prendre une mauvaise tournure. La peur n’est certes pas une émotion très agréable, mais il s’agit néanmoins d’une émotion puissante. Nous serons toujours hantés par une séquence de film si elle est réellement effrayante.

Des techniques qui contrastent

Les musiques de film se présentent sous de nombreuses formes. Qu’il s’agisse d’une partition sur mesure enregistrée par un orchestre, d’une œuvre composée électroniquement par un producteur ou d’une sélection triée sur le volet de chansons existantes qui correspondent à l’esthétique d’une scène, chaque méthode est soigneusement étudiée par le réalisateur et le producteur afin d’obtenir le résultat le plus mémorable possible – et d’amplifier l’aspect émotionnel de l’œuvre.

Grâce au travail de Steven Spielberg et de George Lucas, aux côtés John Williams, compositeur de génie et collaborateur de longue date (Les Dents de la mer, La liste de Schindler, Les aventuriers de l’Arche perdue, Jurassic Park), la partition orchestrale est devenue l’une des marques de fabrique les plus populaires des blockbusters. La musique classique possède une gamme variée de qualités émotionnelles, avec la capacité de fournir des nuances douces et sombres jusqu’à un paroxysme épique et triomphant. Ce déclenchement de sentiments fait de la partition orchestrale une méthode « testée et approuvée » pour créer un cinéma captivant, et elle expose le plus grand nombre à davantage de musique classique.

Tout commence par une chanson

Il arrive parfois que la priorité soit accordée aux chansons. Le film « Baby Driver » d’Edgar Wright raconte les aventures d’un chauffeur de braqueurs de banques qui s’enfuit au son d’une sélection de morceaux classiques soigneusement choisis. Le film porte même le titre de la chanson éponyme de Simon et Garfunkel. Les différents tubes de cette bande-son constituent la base autour de laquelle de nombreuses scènes ont été construites, synchronisant les scènes d’action avec des hymnes qui sont autant de symboles de différentes décennies.

Cette façon de travailler sur une bande-son de film était nouvelle pour Julian Slater, deux fois nommé aux Emmy Awards, qui a dirigé l’équipe musicale derrière la magie à l’écran. S’adressant à Digital Trends, il explique : « Les personnes qui évoluent dans la communauté du son travaillent généralement en timecode, mais pour ce film, nous avons dû changer de méthode et travailler en mesures et en rythmes ». C’est ce travail tout en harmonie qui fait la réputation du film, et qui en fait l’un des meilleurs exemples de collaboration à plusieurs niveaux entre le monde du cinéma et celui du son. L’utilisation de chansons ayant des liens émotionnels avec le public, qui prennent vie grâce à des scènes soigneusement conçues, a été la recette du succès.